La Sedia di design EXO è stata progettata dallo studio di design brasiliano Fetiche Design per il produttore Schuster.

L’ispirazione per questa sedia di design? L’esoscheletro degli insetti, quella resistente cuticola che copre il corspo proteggendo gli organi interni e dando supporto ai muscoli! Non è una cosa strana che designer (come spesso accade agli archietti) su lasciano ispirare dalla natura per dar vita alle proprie creazioni. I progettisti Carolina Armellini e Paulo Biacchi hanno creato la sedia design EXO partendo da questa ispirazione e sviluppando un importante studio sulla forma.

Le immagini possono spiegare meglio. Eccone alcune.

Tu cosa ne pensi della sedia di design EXO?

Lo studio d’archiettura Tony Owens Partners ha appena completato il progetto del Fractal Cafè a Sydney. La caffetteria si trova al piano terra di un palazzo, recentemente ultimato, per gli studenti della Boston University.

La parte sul retro si affaccia su un piccolo vicolo della città. E’ stata un’idea del progetto originario quella di ridurre la costruzione al livello del terreno in modo tale da ampliare il vicolo e creare una piazzetta pubblica. La nuova caffetteria da il nome alla piazza!

Il design di questo edificio è caratterizzato dalle finestre sporgenti che dall’interno dell’atrio si affacciano sull’esterno per massimizzare l‘accesso solare e la ventilazione naturale delle stanze. Inoltre la forma prismatica di queste aperture consente di mantenere un alto livello di privacy per i fruitori di questi ambienti. Anche l’interno del Fractal Cafè cerca di riprendere questa geometria dinamica grazie all’installazione di lampade in plexiglass dalla forma prismatica conferendo continuità tra interno ed esterno all’intero edificio.

Il Team di progettazione è composto da Tony Owen, Rashna Sholapurwala, Esan Rahmini e Kathryn Hynand.

Se Kazuyo Sejima è come appare, minuta, fragile, quasi sospesa nello spazio, allo stesso modo la sua architettura non ha nulla da nascondere e gioca con la trasparenza, l’immateriale, la relazione tra il dentro e il fuori. In un rapporto con l’ambiente circostante che è qualcosa di più di un dialogo, è una relazione capace di modificare lo spazio e lo spazio modifica i nostri comportamenti, e l’architettura non può non tenerne conto. Superfici riflettenti, facciate che rimandano immagini reali o ne creano di nuove, anche illusorie. Volumi sinuosi che si adattano al territorio e invitano ad entrare e ad uscire, a guardare dentro e a guardare fuori. Il risultato è un’architettura di grande impatto e di fascino unico, capace di stregare il mondo intero. Lo dimostra il successo della lectio magistralis che Kazuyo Sejima ha tenuto stamattina a Cersaie nell’ambito del programma Costruire, Abitare, Pensare di fronte ad un gremito Europauditorium del Palazzo dei Congressi.

Vincitrice, lo scorso anno, del prestigioso Pritzker Architecture Price, Kazuyo Sejima ha seguito di recente altri importantissimi progetti sul suolo europeo, dal Rolex Learning Center presso l’Ecole Polytechnique Fédérale di Losanna, in Svizzera, inaugurato nel marzo 2010, alla nuova sede del Museo Louvre a Lens, in Francia, in fase di realizzazione.

Protagonista assoluta dell’architettura nipponica, tra innovazione e tradizione millenaria, Kazuyo Sejima ha illustrato i suoi progetti più importanti realizzati in Giappone, in Europa e negli Stati Uniti.

L’evento, aperto da Alfonso Panzani presidente della Commissione Ricerca e Innovazione Tecnologica di Confindustria Ceramica, che ha portato i saluti dell’Associazione, è stato introdotto da Fulvio Irace, architetto e professore di storia dell’architettura del Politecnico di Milano. “Kazuyo Sejima guarda alla scena urbana in modo diverso, nuovo”, ha spiegato Irace. “Partendo da un approccio emozionale e procedurale, sulla base di come le persone si avvicinano e utilizzano gli spazi. E così la costante del suo lavoro è interpretare i luoghi anche dal punto di vista di chi la vive. L’etichetta di minimalismo, che spesso le viene applicata, in realtà non è adatta al suo lavoro. Io la definirei massimalista: perché amplifica al massimo l’impatto sul corpo. Lo spazio diventa grande campo magnetico in cui agiscono le persone. Ma un’altra peculiarità dei suoi progetti – ha proseguito Irace – è quella di suscitare domande, inquietudini, riflessioni”.

“Fin dall’inizio della mia carriera mi sono interessata al collegamento tra interno ed esterno”, ha spiegato Kazuyo Sejima, illustrando il progetto per il 21st Century Museum of Contemporary Art di Kanazawa, premiato nel 2004 col Leone d’Oro alla 9ª Mostra Internazionale di architettura della Biennale di Venezia. Un edificio che non doveva avere solo la funzione di museo ma anche di spazio pubblico. L’idea centrale è che a seconda degli usi, cambia l’aspetto degli edifici. È importante progettare strutture che possono mutare a seconda di chi li usa e dell’aspetto circostante.

L’architetto ha poi spiegato la filosofia alla base del New Museum of Contemporary Art di New York. “Invece di creare un volume chiuso, come di solito sono le gallerie d’arte, abbiamo creato una struttura veramente aperta alla città, dove i visitatori, grazie a terrazza e affacci, possono ammirare la città e la città a sua volta può vedere cosa accade all’interno. Nel quartiere gli edifici sono piuttosto bassi. Il museo dunque spicca in altezza. Per smorzare lo abbiamo composto di vari volumi svasati tra loro, ciascuno dei quali è di dimensioni simili agli edifici esistenti intorno”.

Davvero sorprendente poi il Museo del vetro artigianale realizzato a Toledo, negli Stati Uniti, dove le persone, camminando, possono percepire il cambiamento delle immagini riflesse nelle

pareti di vetro. “A volte si vede vetro trasparente, a volte immagini riflesse che si sovrappongono alle altre. Alcune sono reali, altre mischiate altre sono illusioni. Complessivamente ne esce un’immagine liquida.

Di grande interesse poi il progetto per il Politecnico federale dell’Università di Losanna. “L’obiettivo, ha sottolineato Kazuyo Sejima “era creare un luogo d’incontro per gli studenti, accessibile da tutti i lati. Abbiamo creato un basso edificio di un solo piano, con pavimento e soffitto ondulati, dove, in un punto, non si ha l’impressione di essere in un grande spazio unico. All’interno, si cammina come su colline o vallate. Ogni volume ha una vista o funzione diversa, la vista sul lago o la tranquillità più intima”.

Infine, il Museo Louvre a Lens, in Francia, di cui sono state completate le prime due fasi, mentre resta da completare l’intervento di accerchiamento di ciò che è stato fatto, con un’unica facciata. Abbiamo realizzato un edificio che non disturba il sito dove sono presenti i resti dell’antica miniera. Un progetto che modifica la sua disposizione geografica adattandosi anche in questo caso all’ambiente.

Il famoso architetto, per la prima volta a Bologna, ha anche espresso la sua meraviglia per la città: “E’ incantevole – ha detto -. Ieri sera mentre passeggiavo mi sembrava di camminare all’interno di un teatro, quasi si potessero inscenare spettacoli e rappresentazioni in ogni angolo”.

Sebbene il Nitehawk Cinema che vedete sia noto ai Newyorkesi soprattutto per essere stata la prima sala cinematografica di Wiliamsburg, quartiere di New York, in realtà stiamo parlando di ben 23.000 metri quadri di superficie distribuiti su tre piani ed adibiti ad uso commerciale, sala cinema e residenziale nei piani superiori.

Come si vede dalle foto tutti gli appartamenti hanno accesso all’area esterna comune, a livello dell’attico.

Qual’è la caratteristica che ci fa parlare di questo progetto? La particolarità stà nel suo rivestimento di facciata. Lo Studio Caliper di New York, oltre a progettare l’intero complesso del Nitehawk Cinema, si è occupato anche della facciata in acciaio e vetro con gli inserti in LED progettandola, realizzandola pannello per pannelo e installandola sull’edificio.

Come si può vedere non era di certo possibile una produzione industriale di questi elementi visto che compongono un disegno specificatamente pensato per questo edificio polifunzionale.

Il risultato è dinamicità, movimento e luminosità per questa facciata che, soprattutto nelle ore più buie, riesce a distinguersi molto bene tra gli edifici del quartiere.

Qualcuno storcerà il naso, ma noi di Arkidesignblog.it ci sentiamo di promuovere l’originalità e la qualità di questo progetto, complimenti allo Studio Caliper!

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Tavolino basso Tryneck Table: originale e naturale

Il legno ritorna alle sue origini? Recupera la sua forma originale? Forse ci prova, con il tavolino basso Wryneck Table dello Studio Pool Design di Parigi.

I designer hanno voluto trasmettere proprio questo, come se avessero preso in prestito dalla foresta una parte di essa, un tronco d’albero che nell’artigianalità del rivestimento e nella tecnologia industriale del taglio digitale, trova posto nelle nostre case, svolgendo la funzione di un tavolino basso.

Una bella idea, originale e creativa, una cosa semplice, che tutti possono fare, ma non tutti possono pensare, ecco perchè i designer dello studio Pool Design hanno avuto successo con Wryneck Table!

[Photography by Benjamin Le Du]

Hai mai sognato di “cacciare” le auto dalle strade e prenderne possesso per vivere in modo nuovo e diverso la tua città?! E’ quello che sta accadendo a Vancouver, in Canada, con il programma “VIVA Vancouver” che cerca di

dimostrare i nuovi, interessanti e divertenti modi di utilizzare gli spazi pubblici. L’ultima installazione del programma è la “Parallel Park”, una struttura di sedute e tavolini che ampliano l’utilizzo del marciapiede occupnado solo due parcheggi per auto. La Parallel Park si trova in una strada nella zona di Vancouver Est, vicino alla caffetterica JJBean.

Tantissime altre installazioni sono presenti in giro per la città: strade chiuse alle auto e aperte alle attività dei cittadini che finalmente si riappropiano dei propri spazi.

Un’iniziativa molto interessante e in continua crescita che può cambiare il modo di vivere gli spazi pubblici nelle città. Se vuoi vedere le altre installazioni visita il sitodi VIVA Vancouver 

Cosa ne pensi di VIVA Vancouver? Un programma che potrebbe funzionare nelle città italiane? Lascia il tuo commento!

Prorogato a venerdì 22 luglio il termine ultimo per le iscrizioni al workshop internazionale Digital Med, che si svolgerà a Vietri sul Mare, dal 24 al 31 luglio 2011.

Sette giorni in più, dunque, per dare la possibilità a quanti vogliano avvicinarsi alla conoscenza e all’utilizzo delle più innovative metodologie di progettazione esistenti, di partecipare all’unico laboratorio di progettazione in Italia basato sui processi di fabbricazione digitale e i software di disegno parametrico.

Alla sua seconda edizione, il workshop DigitalMed, organizzato dagli architetti Amleto Picerno Ceraso e Vangelis Moschonas e promosso congiuntamente dal Consiglio dell’Ordine degli Architetti della Provincia di Salerno e da In/arch Campania, propone un tema interessante: il ripristino di un tratto della Costiera Amalfitana che attualmente versa in condizioni di degrado.

A seguire i gruppi di lavoro, due tutor d’eccezione: Andrea Graziano e Alessio Erioli, membri del Co-de-it e massimi esponenti della digital fabrication e dell’architettura parametrica.

Si tratta di una straordinaria opportunità per i partecipanti al Workshop Digital Med: l’esplorazione progettuale guidata attraverso logiche parametrico–generative sarà infatti affiancata a una produzione digitale e, attraverso l’uso di software di interfaccia cad/cam, si procederà alla diretta prototipazione delle idee di progetto.

Il miglior progetto realizzato durante il workshop sarà premiato con una targa di merito.

Gli interessati possono scaricare il bando di concorso all’indirizzo www.digitalmedworkshop.com e compilare il modulo di preiscrizione presente sullo stesso non oltre il 22 Luglio 2011.

Immaginata sin dall’inizio da Odoardo Fioravanti per Foscarini come un oggetto dalle linee leggere e rassicuranti, Colibrì ha assunto, segno dopo segno, l’aspetto, di un familiare animale da compagnia: “come un pappagallo appollaiato sulle spalle di un pirata, così Colibrì si affaccia da dietro alle spalle di chi legge affondato nella sua poltronapreferita”, per usare la vivida descrizione dello stesso designer.

Nella sua forma finale, la lampada è costituita da una base, un’asta e un piccolo diffusore orientabile in qualsiasi direzione e che richiama, appunto, la testa e il becco di un volatile. La sagoma del proiettore è chiusa da unbraccetto sottile e allungato, con cui il lettore può agevolmente orientare il fascio di luce anche da seduto. Il progetto si caratterizza per l’estrema continuità tra ogni parte: l’impugnatura abbraccia l’asta, che a sua voltacela il filo, incassato in una sottile scanalatura interna.

Disponibile in due varianti cromatiche – un bianco ghiaccio coerente con la leggerezza formale dell’interoprogetto e un verde oliva che porta nello spazio tutta l’ironia del personaggio a cui si ispira – Colibrì utilizza tre materiali diversi, ciascuno selezionato per realizzare al meglio ogni specifico componente: la base è in una legametallica, l’asta in estruso di alluminio mentre la testa è in policarbonato.

Colibrì è una lampada da lettura dalla luce morbida e d’accento, definita da un segno continuo e da un aspettodiscreto e quasi mimetico, ma al contempo giovane e contemporaneo: caratteristiche che la rendono perfettamente collocabile in una zona living come anche in uno studio, in camera da letto, in ambiti contract o, piùin generale, in ogni ambiente in cui si desideri creare un raccolto angolo di intimità.

Il designer giapponese Nobu Miake of Design Soil ha creato questo tavolino di design chiamato Cathedral Table perchè ispirato proprio alle forme delle cattedrali.

Descrizione di Nobu Miake of Design Soil:

“Il tavolino di design Cathedral Table è un tavolino basso ispirato dalle architetture delle cattedrali gotiche. E’ composto da compensato lavorato e due tipi di montature in metallo. La particolarità di questo tavolino di design è che non solo le forme si ispirano a quelle di una cattedrale gotica, ma anche la struttura statica: tutte le parti che lo compongono, instabili singolarmente, una volta montate creano una spinta centrale in grado di dare stabilità all’oggetto, proprio come accade per le volte della cattedrali gotiche”

Il tavolino di design Cathedral Table è un oggetto che mi piace molto, perchè rappresente una vera e propria architettura in miniatura!

«Nonostante la Costiera Amalfitana nel 1997 sia stata dichiarata bene dell’umanità protetto dall’UNESCO, le sue zone litoranee ad oggi, purtroppo, presentano ancora molti tratti che versano in condizioni di degrado. – afferma l’arch. Amleto Picerno Ceraso, responsabile scientifico del progetto Digital Med e CEO dello studio di architettura PicernoCerasoLab – Questo il motivo per cui abbiamo scelto, in occasione della seconda edizione del Workshop in Parametric Design e Digital Fabrication, un tema dal titolo “Vertical Seaside, Amalfi Coast Workshop”, volto a focalizzare l’attenzione sul recupero di un’area danneggiata della Costa D’Amalfi.».

Nonostante la scelta di tale location, che in prima analisi poteva sembrare atipica, la notizia di un laboratorio di progettazione basato sui processi di fabbricazione digitale e i software di disegno parametrico ha, invece, trovato importanti riscontri, soprattutto a livello internazionale più che nel nostro Paese, come spesso accade quando si tratta di fare avanguardia e sperimentazione in Italia.

Così come le grandi iniziative, i più ambiziosi progetti e le migliori invenzioni di tutti i tempi, si sono sempre sviluppati con discrezione, allo stesso modo, in sordina sta muovendo i primi passi una nuova generazione di architetti che amano definirsi “mediterranei”, perchè mediterraneo è il loro approccio ad un lavoro in rete, attraverso l’inter-connessione, la possibilità di passare da un campo di lavoro all’altro, in una rete di scambi di informazione grazie alla quale prendono vita idee forti e innovative.

«Il Mediterraneo è sempre stato un crocevia, un insieme di rotte commerciali e di vite differenti legate a doppio filo da un mare, amico e nemico, finito ed infinto. – commenta Mauro Paolucci, socio dello studio PicernoCerasoLab, che ci spiega la nozione di architettura mediterranea – Il concetto di mare è per sua natura stessa legato al concetto di infinito, ma quando un mare come quello Mediterraneo, è circoscritto da terra per quasi la totalità del suo perimetro (“mediterraneus”, in mezzo alle terre), allora è finito e soprattutto è concepibile.

Se volessimo disegnare le rotte che incrociano il Mediterraneo, utilizzate da sempre per il trasporto di merci e persone, avremmo di fronte un groviglio di linee che raccontano una storia ben precisa, che ci narra di un nuovo continente, vivo, densamente popolato e pieno di strade di comunicazione. I cittadini del continente Mediterraneo sono da sempre in comunicazione tra di loro, pur non condividendo la stessa lingua, perché, in compenso, condividono qualcosa di molto più prezioso, la loro stessa vita. In 5000 anni di comunicazione, hanno sviluppato la straordinaria capacità di collaborare, di confrontarsi, di rinnovarsi, di accogliere e di unirsi all’altro, in un continuo processo di inter-scambio dal quale hanno tratto forza e vitalità sempre nuove. Per tali motivi la società mediterranea, potrebbe identificarsi come la prima ed unica società liquida, non nell’accezione negativa teorizzata da Zygmunt Bauman, bensì in una nuova luce, positiva, di cambiamento, di capacità di adattarsi, di malleabilità tipica di un popolo che da sempre ha abitato un continente liquido.

Dopo millenni, in un mondo come quello odierno, i cui confini vengono ridisegnati da nuovi modi di comunicare, quello Mediterraneo torna ad essere il continente più all’avanguardia di tutti, proprio per la sua intrinseca capacità di comunicazione.

Nel nostro modo di intendere l’architettura, amiamo definirci “mediterranei”, proprio per questa predisposizione ad un lavoro in-rete, in costante comunicazione con ciò che ci circonda, che ci permette di trovare risposte complesse a problemi complessi. La stessa interdisciplinarità del nostro modo di progettare, è figlia di una concezione legata al nostro essere all’interno di un flusso in continuo movimento, perché il mondo oggi è molto più simile al mare di quanto non pensiamo: non è mai nello stesso punto e al suo interno non ha confini ben delineati.

Oggi per noi fare architettura ha esattamente lo stesso valore che i nostri antenati attribuivano alla navigazione: vogliamo esplorare, comunicare con gli altri alla ricerca di nuove risposte, per poter trovare nuove terre attraverso rotte mai percorse.».

Francesca Luciano per Arkidesignblog.it